gardienne du jardin - Stephanie Law
Stephanie Law est une artiste contemporaine connue pour ses œuvres surréalistes inspirées par la nature.
Mêlant mythologie, mouvement et formes organiques,
ses peintures explorent la perception, la transformation et la beauté de l'invisible.
Dans la conversation qui suit, nous nous plongeons dans son univers —
ses inspirations, son processus et l'intuition derrière son art.
Voix créatives avec Artify : Votre art, votre histoire
Comment avez-vous commencé l'art ? Y a-t-il eu un "moment spécial" qui a déclenché cette passion ?
J'ai toujours aimé l'art, d'aussi loin que je me souvienne. Chaque fois que je n'avais rien d'autre à faire (et souvent même quand j'avais quelque chose), je gribouillais et dessinais. Je ne dirais donc pas qu'il y a eu un moment spécial qui a déclenché l'art, mais il y a eu sans aucun doute un moment où le feu s'est allumé pour en faire une carrière. J'ai grandi en étant découragée de considérer l'art comme une option de carrière viable, et je l'avais donc fermement à l'esprit comme une option "loisir seulement". Mais à l'université, après avoir presque terminé mes études en informatique, j'étais un jour à un salon de l'emploi. J'avais passé l'après-midi à organiser des entretiens avec de nombreux prospects de l'industrie technologique, et ce fut un événement réussi pour moi. Cependant, quand je suis rentrée à la maison, j'ai commencé à pleurer parce que je me suis rendu compte que je mettais définitivement l'art de côté dans ma vie. Ce soir-là, j'ai réalisé que l'art devait être central dans ma vie. Je ne serais pas heureuse de le faire uniquement pendant mon temps libre, et j'ai donc pris la résolution que j'allais y arriver, d'une manière ou d'une autre. Je n'étais pas encore sûre à ce moment-là de la voie à suivre, mais j'étais déterminée à trouver un moyen.
Qu'est-ce qui vous a amenée à choisir et à vous engager dans votre style artistique actuel, et comment cela vous aide-t-il à vous exprimer plus pleinement ?
Cela a été une évolution au fil des ans. J'ai en fait commencé principalement avec l'acrylique, les encres et l'art numérique, mais en 2001, je suis tombée amoureuse de l'aquarelle. J'ai réalisé que beaucoup des techniques que j'utilisais avec l'acrylique étaient mieux adaptées pour travailler naturellement avec l'aquarelle, et j'ai donc commencé à en faire de plus en plus avec ce médium. En peignant avec, et en me familiarisant beaucoup avec ses comportements, je n'ai fait que l'aimer davantage. Il y a tellement de variété de textures que l'on peut obtenir avec l'aquarelle, en jouant avec la surface sur laquelle on peint, en utilisant divers médiums et en prêtant attention aux qualités de granulation de certains pigments. J'ai l'impression que mon utilisation du médium est en constante évolution. Ce que j'aime le plus dans l'aquarelle est souvent ce qui peut être frustrant pour ceux qui débutent. C'est inattendu. Cela coule et change. Je pense qu'apprendre à travailler avec l'aquarelle consiste à abandonner les attentes rigides et à laisser un peu le mouvement de la peinture dicter les pièces. Cela correspond à mon style qui est très axé sur le mouvement. J'aime qu'il y ait beaucoup de fluidité dans une œuvre, qui attire l'œil du spectateur dans tous les coins. J'aime les textures organiques, et c'est quelque chose que le mouvement naturel du pigment et les flaques de liquide qui se répandent dans l'aquarelle font très bien. Une chose à propos de moi, c'est que si je suis laissée à moi-même, je veux un contrôle rigide. Je suis frustrée par l'art comme ça, alors peindre avec de l'aquarelle me permet d'accéder à une fluidité plus souple. Le rendu précis versus l'organique souple crée une merveilleuse tension dans mon travail que je ne me lasse jamais d'explorer.
D'autres choses concernant votre parcours artistique que vous aimeriez partager ?
Apprendre à faire confiance à ma propre voix et à ma vision artistique a été l'une des leçons les plus difficiles mais aussi les plus gratifiantes. Même en le sachant et en le vivant, je dois constamment me le rappeler, car il est facile d'oublier ou de laisser les voix extérieures prendre trop de poids et peser sur votre confiance en vous.
cérémonies du thé - Stephanie Law
De l'esprit à la toile : les fournitures artistiques dans votre processus créatif
Quelle est votre approche pour choisir les bons matériaux artistiques, et quelles qualités comptent le plus pour vous ?
Mes exigences de base sont généralement du papier sans acide et une peinture qui a de bonnes cotes de résistance à la lumière. Au-delà de cela, il y a beaucoup de choix dans ce que je peux utiliser qui sera le mieux adapté. Même la résistance à la lumière n'est pas une exigence absolue si je fais une œuvre d'art simplement pour le plaisir de la peinture sur papier et que je n'ai aucune exigence qu'elle dure éternellement. Parfois, l'éphémère peut être amusant, et le manque d'attentes à long terme me libère pour explorer et jouer avec la peinture de la manière insouciante et joyeuse que l'on a enfant. Cela peut alors m'amener à être inspirée par des pièces dans lesquelles j'investis davantage. Avoir des attentes exigeantes envers moi-même que chaque pièce soit un chef-d'œuvre est un moyen sûr de me figer, et j'essaie donc toujours de m'assurer que je m'amuse. Cela signifie que toutes sortes de matériaux ont un temps et un lieu pour moi. Les petits carnets de croquis légers sont parfaits à avoir sous la main dans mon sac à main pour griffonner des idées quand elles me viennent, tandis que les carnets d'aquarelle de haute qualité peuvent être l'endroit idéal pour des journaux de voyage et des peintures plus sérieux. J'adore utiliser la gouache pour mes peintures de voyage, mais je préfère l'aquarelle pour mes illustrations et mes œuvres de galerie. J'aime particulièrement les pigments qui granulent et créent des textures intrigantes auxquelles mon imagination peut ensuite s'accrocher et trouver des formes et des silhouettes. Ce que je recherche dans les pinceaux varie également considérablement en fonction des circonstances et de l'application. Pour des œuvres très lâches et impressionnistes, j'aime les pinceaux plus grands qui retiennent beaucoup de liquide, et pourtant peuvent aussi avoir une pointe fine. Les pinceaux de calligraphie chinoise fonctionnent à merveille à cette fin, permettant une qualité gestuelle fluide tout en étant capable de capturer des détails fins. Ou si je travaille sur une miniature, ou sur le point focal détaillé d'une illustration, je veux avoir des soies plus rigides et plus courtes qui me donnent un contrôle minutieux et la capacité d'ombrer et de rendre avec des techniques de pinceau sec.
Comment s'est passée votre expérience avec les pinceaux Artify ? En quoi se distinguent-ils et gagnent-ils votre approbation ?
J'ai apprécié d'utiliser les pinceaux Artify car il y a une belle sélection de différents types de pinceaux, à la fois les plus grands avec une bonne absorption de l'eau et une pointe fine, ainsi que des options plus rigides et plus contrôlées avec la bonne élasticité pour mes applications de rendu illustratif. Ils supportent bien mes diverses techniques et ont un prix abordable.
tisser les fils - Stephanie Law
Mots de Sagesse : Vos propres idées et conseils
Quel conseil donneriez-vous à quelqu'un qui débute dans l'art ?
Soyez indulgent envers vous-même. Ne laissez jamais vos attentes vous submerger. Cela peut être difficile, mais essayez de dessiner et de peindre avec un esprit ouvert aux résultats, et considérez chaque œuvre comme un tremplin vers ce que vous voulez finalement accomplir. Fixez des objectifs réalisables, et lorsque vous avez l'impression d'en avoir atteint un, fixez-en un nouveau plus élevé. La création artistique est un voyage continu tout au long de la vie. Bien que j'aime les œuvres que j'ai créées par le passé, j'ai toujours l'impression que le voyage en cours et la Prochaine œuvre sont ce pour quoi je vis.
Avez-vous déjà connu une panne de créativité ? Quel est votre secret pour rester inspiré et maintenir votre créativité ?
Chaque artiste en connaît une à un moment donné. Je pense que pour moi, la clé pour s'en sortir est de continuer à dessiner. Si je ne me sens pas inspirée, j'essaie de revenir à la pratique des compétences de base. Je ne me pousse pas nécessairement à créer un chef-d'œuvre si je ne le sens pas, mais je vais dans mes zones de confort en dessinant des choses qui peuvent être faciles et petites, mais qui me rendent heureuse. J'essaie toujours de retrouver cet amour de la création artistique que j'avais enfant, et de garder cette étincelle vivante tout au long de ma carrière professionnelle. Lorsque je travaille sur des choses "plus petites et plus faciles", inévitablement, quelque chose éveille mon inspiration et je veux transformer cela en quelque chose de plus grand et de plus ambitieux.
Pensez-vous que les techniques doivent être activement travaillées, ou se développent-elles naturellement ? Des conseils exclusifs ?
Il y a un peu des deux. Il faut constamment repousser les limites de sa zone de confort pour développer ses techniques, mais le faire sans arrêt et en permanence est épuisant et peut ne pas être amusant, et comme je l'ai mentionné plus tôt, le plaisir et la joie de créer sont l'une des choses les plus importantes. C'est ce qui laisse la porte ouverte à la connexion avec votre raison de créer, pour la voix que vous voulez faire entendre. Il faut donc un espace pour respirer et pour grandir naturellement. Repoussez les limites, mais une fois que vous avez étiré l'espace, prenez le temps de profiter de l'espace élargi et d'en tirer le meilleur parti avant de repousser à nouveau.
Quel rôle pensez-vous que le feedback joue dans la croissance d'un artiste ?
Cela peut être délicat, et la tolérance et la réponse de chaque artiste sont différentes. Il faut trouver la capacité d'accepter des commentaires constructifs, mais en même temps être capable de regarder honnêtement son propre travail et de prendre la décision finale si ce feedback est finalement utile à la façon dont vous voulez évoluer, ou à la direction que vous voulez donner à votre art. Les critiques, qu'elles proviennent de sources professionnelles ou du grand public, sont faillibles, et elles n'ont pas la compréhension finale que vous avez de votre connexion à votre art. Parfois, les commentaires peuvent être extrêmement utiles et vous révéler vos angles morts. D'autres fois, ils peuvent ne pas être correctement alignés sur ce que vous voulez atteindre, ou peuvent vous faire douter de votre propre confiance. En fin de compte, il y a un équilibre que vous devez rechercher, et être ouvert d'esprit pour explorer les commentaires qui peuvent différer de ce que vous avez en tête. Soyez capable d'essayer des choses même si cela peut initialement heurter vos sensibilités, car parfois un choc externe peut être la meilleure infusion possible pour votre art et l'amener à un nouveau niveau.
arbre du monde - Stephanie Law
Dans l'œuvre de Stephanie, la création n'est pas une question de contrôle, mais d'écoute —
de la nature, du mouvement, de l'appel silencieux de l'intuition.
Son monde nous rappelle que l'art ne commence pas toujours par un plan,
mais par un sentiment qui attend de prendre forme.
Inspiré par l'univers artistique de Stephanie, notre ensemble de pinceaux collaboratifs transpose son approche intuitive et organique en une expérience tactile — désormais disponible. [découvrez la collection ici].
Pour découvrir davantage le travail de Stephanie et suivre son parcours créatif, visitez :
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