Just Paint, Just Being : coup de projecteur sur l'artiste Andreas Liss

Il n'y a pas eu de moment décisif où la peinture est entrée dans la vie d'Andreas Liss, elle a simplement grandi avec lui.

Des longues heures passées à dessiner dans sa chambre aux premières tentatives de capter les ressemblances, sa pratique a émergé lentement, façonnée par la curiosité, la solitude et le désir de comprendre ce qu'il voyait.

Nous avons parlé avec lui de ces premières années et des expériences qui ont fait que la peinture est devenue plus qu'une simple activité.

Avant l'intention

Quand la peinture est-elle entrée dans votre vie pour la première fois ? Avez-vous commencé à peindre avec une intention particulière, ou est-ce venu naturellement avec le temps ?

Je ne pense pas qu'il y ait eu un moment de décision clair. La peinture était simplement là dès le début, quelque chose vers quoi je revenais sans vraiment me poser de questions. Ce qui a commencé comme une envie tranquille de créer est progressivement devenu une manière de comprendre et d'exprimer des choses que je ne pouvais pas mettre en mots. J'ai passé une grande partie de mon enfance et de ma jeunesse dans ma chambre à dessiner et à peindre, complètement absorbé par ce processus. Avec le recul, cela ressemble moins à un choix qu'à quelque chose qui a lentement pris forme de lui-même.

Qu'est-ce qui vous a poussé à peindre au début ?

Au début, j'ai continué à peindre principalement par curiosité – je voulais savoir si j'étais capable de traduire ce que je voyais sur papier, et si le résultat final ressemblerait vraiment à l'image de référence. Cette question « suis-je capable de faire cela ? » a été un puissant moteur au début et m'a poussé à expérimenter et à pratiquer. En même temps, la peinture m'offrait un espace pour me retirer complètement dans mon propre monde. Pendant que je dessinais, je pouvais tout oublier et me concentrer pleinement sur ce que je faisais, ce qui rendait le processus très immersif, apaisant, et presque une forme d'évasion. Avec le temps, j'ai également été très influencé par les retours et les confirmations que je recevais de mon entourage. Même à l'école, j'étais connu comme celui qui dessine, et ce rôle est lentement devenu une partie de la façon dont je me définissais, ce qui a renforcé ma motivation à continuer.

Vous souvenez-vous du premier portrait qui a eu un sens particulier pour vous ?

En 1989, à l'âge de 15 ans, j'ai dessiné au crayon la pochette du single First Time de Robin Beck. Je me souviens encore d'avoir été très concentré sur le fait de bien saisir la ressemblance et les détails. J'avais aussi, bien sûr, un petit béguin pour la fille représentée – c'était une image tirée de la publicité Coca-Cola pour laquelle la chanson est connue. Heureusement, j'ai encore ce dessin aujourd'hui, ce qui le rend encore plus significatif avec le recul, car il marque l'une des premières fois où je me suis vraiment senti connecté à ce que je faisais.

Pourriez-vous partager votre œuvre préférée à ce stade et la présenter brièvement ?

Pour l'instant, mon œuvre préférée est un portrait sur lequel je travaille actuellement, celui d'une de mes muses préférées, Becka Kolodny. Il s'agit d'une toile tendue de 50 × 100 cm. Au cours de la dernière année, j'ai commencé à transposer des peintures de mes carnets de croquis sur de plus grandes toiles. Je peins habituellement dans des carnets de croquis parce que cela me semble plus naturel — presque comme un espace purement privé où il n'y a pas de pression et où tout reste très direct et personnel. Cette pièce vient de ce contexte. Ce que j'aime particulièrement, c'est qu'elle est encore en cours — elle n'a pas été trop retravaillée ou "corrigée", elle reste donc ouverte. Il y a quelque chose de prometteur à ce stade, où tout est encore possible.

Comment comprenez-vous votre propre déclaration : « aucune intention artistique » ?

Lorsque je dis « aucune intention artistique », je veux dire que je n'aborde pas la peinture dans le but d'exprimer quelque chose de spécifique, de communiquer un message ou de développer une idée conceptuelle derrière l'œuvre. Il n'y a pas d'agenda artistique défini qui guide ce que je fais. Il n'y a pas d'« intention créative » dans ce sens — mon objectif est simplement de reproduire la photo de référence aussi précisément que possible, comme une sorte d'hommage à la beauté elle-même. Ce qui est central pour moi, c'est le processus plutôt que le résultat final. La peinture fait partie de ma vie quotidienne et fonctionne comme une forme de retrait du monde extérieur, une manière de retrouver un état plus interne et concentré. L'importance réside moins dans le résultat que dans le fait d'être dans cet état pendant que je travaille.

La présence peinte

Que recherchez-vous dans un visage avant de commencer à peindre ? Comment décidez-vous ce qu'il faut accentuer et ce qu'il faut laisser de côté ?

J'ai tendance à rechercher des visages féminins qui sont immédiatement frappants de manière très directe – je suis attiré par une beauté évidente, mais aussi par une certaine mélancolie dans l'expression. Avant de commencer à peindre, je porte également une attention particulière à la lumière dans la référence, en particulier aux forts contrastes d'ombre et de lumière et aux reflets vifs, car ils donnent au visage structure et intensité. En ce qui concerne ce que j'accentue et ce que je laisse de côté, mon approche de base est de faire ressortir quelques détails clés qui définissent le visage, tandis que tout ce qui l'entoure – le contexte environnant ou les éléments moins essentiels – peut être réduit ou même négligé.

Travaillez-vous davantage à partir de l'observation, de la mémoire ou de l'intuition ?

Je travaille très clairement à partir de l'observation. Ma pratique consiste à traduire directement ce que je vois dans la référence en peinture, le plus fidèlement possible. Il s'agit moins de mémoire ou d'intuition que d'une observation attentive et d'une reproduction minutieuse. Pour moi, c'est un processus méditatif plutôt que créatif — il n'y a aucune intention de transformer ou d'interpréter l'image, mais de rester aussi proche que possible de ce qui est devant moi.

Qu'est-ce qui vous a marqué en travaillant avec les pinceaux Artify ?

J'ai eu l'occasion d'essayer deux ensembles de pinceaux Artify différents, et les deux m'ont laissé une impression très positive à leur manière. L'ensemble de 25 pinceaux pour acrylique se distingue par sa variété et sa conception réfléchie. Il comprend une large gamme de formes et de tailles de pinceaux, ce qui facilite le passage entre différentes techniques. L'ajout d'une spatule est un bonus appréciable, et l'étui pliable permet de tout organiser proprement. Les pinceaux se nettoient bien et conservent leur forme après utilisation. L'ensemble de 11 pinceaux pour peinture à l'huile m'a également impressionné, notamment en termes de confort et de performance. Les pinceaux retiennent très bien la peinture, et la longueur du manche est équilibrée et confortable, même pendant de longues sessions de peinture. Les poils naturels fonctionnent bien, offrant un bon contrôle et une application douce. Le design général est esthétiquement plaisant.

Comment la couleur et le coup de pinceau façonnent-ils l'émotion d'un portrait ?

Pour moi, la couleur n'est pas l'élément le plus important, même si j'essaie évidemment de l'accorder. La valeur et l'utilisation du contraste chaud-froid sont bien plus importantes, car elles donnent au portrait sa structure et sa profondeur. Mes peintures ne sont pas strictement photoréalistes. J'aime travailler rapidement, à la prima, et de ce fait, les coups de pinceau visibles deviennent une partie définissante de l'image. Ils façonnent naturellement la surface et l'émotion générale du portrait. Il n'y a pas de réelle intention de développer un style personnel — il émerge simplement comme un sous-produit de cette façon de travailler.

Que vous reste-t-il après avoir terminé le portrait d'une personne ?

Honnêtement, ce qui me reste après avoir terminé un portrait, c'est un léger sentiment de déception face à toutes les erreurs que j'y vois encore, combiné à la curiosité de savoir si je pourrais faire mieux la prochaine fois. Alors, je finis généralement par en commencer un autre assez tôt après.

Ce qui reste humain

Que vous permet de conserver la peinture de personnes ?

Peindre des personnes me permet de conserver un ensemble d'états très intérieurs qu'il est difficile de définir simplement. Cela me connecte à une sorte de perspective enfantine intérieure que je porte encore en moi, ainsi qu'à un sentiment plus général de nostalgie. Il y a aussi un fort élément d'admiration pour la beauté, qui me semble étroitement lié à une enfance plutôt retirée et à la manière dont j'ai appris à percevoir le monde à une distance plus observationnelle. En même temps, c'est lié à ma propre disposition mélancolique. La peinture devient un moyen de rester en contact avec ces parties de moi-même sans avoir besoin de les articuler de manière directe ou conceptuelle.

Qu'espérez-vous que les spectateurs ressentent en regardant vos portraits ?

Je poste mes peintures sur les réseaux sociaux, où j'atteins beaucoup d'autres artistes amateurs. En général, j'apprécie vraiment quand les gens tombent sur mon travail et s'en inspirent d'une manière ou d'une autre, et je reçois occasionnellement des commentaires ou des messages qui reflètent exactement ce type de réaction. En même temps, il y a quelque chose de très spécial dans les moments où une muse peinte voit son propre portrait et l'aime. Ce genre de réaction est différent de tout le reste. D'une certaine manière, cela me ramène à ma motivation initiale — car au fond, j'ai l'impression de ne peindre que pour elle et pour moi.

Voyez-vous votre travail évoluer, ou rester proche de ce qu'il est actuellement ?

De temps en temps, j'expérimente différentes approches, par exemple en modifiant ma palette de couleurs réduite ou en essayant de petites variations dans la façon dont je gère certains éléments. Mais en général, mon travail est resté très cohérent depuis que j'ai commencé à peindre des portraits à l'huile en 2021. La façon fondamentale dont j'aborde la peinture n'a pas vraiment beaucoup changé avec le temps, et je n'essaie pas activement de la modifier de manière fondamentale.

Qu'est-ce qui vous semble le plus important à conserver dans votre travail au fil du temps ?

Ce qui me semble le plus important à conserver dans mon travail au fil du temps, c'est mon amour pour la peinture elle-même. Elle m'a accompagné toute ma vie et je veux la préserver de la même manière jusqu'à la fin — tout comme mon amour pour la musique, ces deux éléments ayant toujours été des parties stables de mon identité. C'est aussi pourquoi j'ai encore du mal en ce moment à accepter des commandes, car cela pourrait facilement détourner l'attention de cette relation très directe et personnelle que j'entretiens avec la peinture et le processus lui-même. Je ne veux pas perdre cette connexion directe avec l'acte de peindre, où il ne s'agit pas de concept ou d'ambition, mais de la simple présence dans le processus.

S'il y a une chose que vous espérez voir perdurer dans votre œuvre, quelle serait-elle ?

L'amour et le désir.

Avec le recul, ce n'est pas une seule peinture, mais un sentiment qui se distingue — le moment où l'effort, la concentration et la connexion se sont unis.

De ce premier portrait significatif à aujourd'hui, le travail d'Andreas continue d'être animé par la même question silencieuse : jusqu'où l'observation et le dévouement peuvent-ils vous mener ?