Pour Lisa Hodge, l'art est devenu plus qu'une pratique créative, c'est devenu une façon de ralentir, de réfléchir et de se reconnecter avec elle-même.
Ce qui a commencé comme un besoin d'espace créatif après être devenue mère s'est progressivement transformé en un processus intuitif et émotionnellement motivé, moins façonné par les règles et plus par le ressenti.
Dans cette interview, elle explique comment son style artistique s'est développé naturellement au fil du temps, et comment la création continue d'apporter un sentiment de calme, d'honnêteté et de présence dans sa vie.
Parcours artistique et aperçus exclusifs
Comment avez-vous découvert l'art pour la première fois ? Y a-t-il eu un « moment spécial » qui l'a déclenché ?
L'art m'a toujours attirée, mais il est devenu vraiment important pour moi après la naissance de mes jumeaux, quand j'avais besoin d'un exutoire créatif. La création m'a permis de ralentir, de gérer mes émotions et de me reconnecter avec moi-même. Il n'y a pas eu un seul « moment de révélation », mais plutôt une prise de conscience progressive que l'art me rendait ancrée, calme et vraiment présente.
Qu'est-ce qui vous a poussée à choisir et à vous engager dans votre style artistique actuel, et comment cela vous aide-t-il à vous exprimer plus pleinement ?
Mon style actuel a évolué naturellement par l'expérimentation et le jeu. J'ai cessé d'essayer de faire en sorte que mon travail ait une certaine apparence et je me suis concentrée sur la façon dont je voulais qu'il se sente et, plus important encore, sur la façon dont il me faisait sentir. Ce style me permet d'exprimer librement mes émotions, sans trop réfléchir ni suivre de règles, et c'est devenu une forme d'expression de soi très intuitive et honnête pour moi.
Pourriez-vous partager votre œuvre préférée à ce stade ?
Ma pièce préférée est généralement la plus récente. Chaque œuvre représente mon état émotionnel du moment, donc elle est spéciale à sa manière. En ce moment, je suis le plus connectée aux pièces qui semblent ludiques, superposées et expressives ; elles me rappellent pourquoi j'ai commencé à créer.
Les fournitures d'art dans votre processus créatif
Quelle est votre approche pour choisir les bons matériaux d'art, et quelles qualités sont les plus importantes pour vous ?
Je choisis mes matériaux d'art en fonction de la façon dont ils favorisent la liberté, le mouvement et le jeu dans mon processus. Je suis attirée par les outils qui me permettent de travailler intuitivement plutôt que précisément, et j'aime souvent utiliser les matériaux de manière non conventionnelle. Par exemple, j'adore utiliser une spatule fine pour sa capacité à créer de la texture et de la spontanéité, et un outil de seringue à colle pour déposer ma première couche d'eau. Cela me permet de dessiner essentiellement avec des gouttelettes d'eau, créant des lignes directrices transparentes qui disparaissent une fois que je commence à peindre, ce qui maintient le processus fluide et sans pression. Je suis également attirée par les pinceaux aux formes uniques, car ils m'aident à relâcher mon style et à abandonner le perfectionnisme. Dans l'ensemble, les qualités les plus importantes pour moi sont la polyvalence, le flux et la capacité d'un outil à inviter la curiosité et l'expérimentation plutôt que le contrôle.
Quelle a été votre expérience avec les pinceaux Artify ? En quoi se distinguent-ils et gagnent-ils votre approbation ?
J'ai vraiment apprécié travailler avec les pinceaux Artify, ils se distinguent parce qu'ils encouragent l'expérimentation et la liberté dans mon processus. Ils offrent des formes uniques qui m'aident à rester ludique et spontanée. J'aime aussi leurs pinceaux de détail, qui me donnent plus de contrôle lorsque je veux ajouter de petits détails superposés sur une base abstraite et lâche. Ensemble, ces pinceaux soutiennent à la fois la liberté et la précision, me permettant de combiner un mouvement expressif avec des touches finales réfléchies. Ils sont intuitifs à utiliser et invitent à la créativité plutôt qu'à la limiter, ce qui leur vaut ma pleine approbation.
Vos propres idées et conseils
Quels conseils donneriez-vous à quelqu'un qui débute dans l'art ?
N'ayez pas peur de jouer et d'utiliser les outils de manière inattendue. Laissez-vous guider par la curiosité et autorisez-vous à faire des dégâts ou des « erreurs ». Souvent, c'est par l'expérimentation que l'on découvre ce qui résonne vraiment en soi et que l'on développe un style authentique.
Avez-vous déjà connu un blocage créatif ? Quel est votre secret pour rester inspirée et maintenir votre créativité ?
Oui, absolument… les blocages créatifs font naturellement partie du processus et j'ai appris à les accepter. Quand ils surviennent, j'essaie de ne pas forcer la créativité. Parfois, je m'éloigne de la peinture et j'explore d'autres exutoires créatifs, comme la photographie, la pâtisserie, ou simplement passer plus de temps dans la nature. Je trouve aussi de la joie à expérimenter de nouveaux outils ou simplement à jouer sans attentes, à faire des marques, à superposer des textures, ou à « peindre avec de l'eau » pour voir où cela mène. Se concentrer sur le processus plutôt que sur le résultat m'aide à rester curieuse, et finalement la créativité retrouve toujours son chemin, de manière douce et organique.
Pensez-vous que les techniques doivent être travaillées activement, ou qu'elles se développent naturellement ? Des astuces exclusives ?
Je pense que c'est un mélange des deux ; les techniques se développent naturellement avec le temps, mais il faut aussi explorer et se mettre au défi activement. Mon meilleur conseil est de peindre souvent et de vous pousser délibérément hors de votre zone de confort. Essayez de nouveaux outils, expérimentez des formes inconnues ou explorez des sujets que vous n'auriez normalement pas choisis. La combinaison d'une pratique régulière et d'une expérimentation ludique aide votre style à évoluer organiquement tout en gardant le processus passionnant et frais.
Quel rôle le feedback joue-t-il, selon vous, dans la croissance d'un artiste ?
Je pense que le feedback est incroyablement précieux, mais il est plus efficace lorsqu'il est constructif et encourageant. Des perspectives honnêtes peuvent vous aider à voir des choses que vous auriez pu manquer et inspirer de nouvelles idées, mais il est important de le filtrer à travers votre propre vision. Le feedback doit vous guider, pas dicter votre art. Pour moi, le feedback le plus utile encourage l'expérimentation, suscite la curiosité et m'aide à dépasser ma zone de confort tout en
restant fidèle à mon style.
D'autres précieux aperçus de votre parcours artistique que vous aimeriez partager ?
L'aperçu le plus important que j'ai appris est : profiter du processus. Lorsque vous vous concentrez sur le plaisir du processus créatif, tout le reste, comme la technique, le style et la croissance, semble se mettre en place naturellement.
Plutôt que de courir après la perfection ou la structure, Lisa Hodge embrasse l'art comme un espace d'intuition, d'émotion et de liberté.
Son travail reflète un processus d'écoute intérieure, permettant au ressenti, à la présence et à la spontanéité de guider chaque œuvre naturellement.
Et à travers ce processus, la peinture devient non seulement un acte de création, mais de reconnexion.
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